Alors vous allez me dire, pourquoi faire une émission ? Pour 2 raisons. La première c’est que le 21 avril 2026 marquait l’anniversaire des 10 ans du décès de Prince. Pour le coup un vrai génie. Et pour cette date Ô combien symbolique, les personnes en charges de son catalogue ont choisi de diffuser la version originale de With this tear. Sa version. Celle envoyée à Céline Dion. Si de leur côté, il y a sans doute une part d'opportunisme commercial, ici, je vous assure que la démarche est ailleurs. La seconde, c’est parce que si je n’aime pas vraiment l’œuvre de madame Dion, j’apprécie énormément celle de Valentin Grimaud, que je reçois pour la 3e fois cette année. C’est vous dire si nous avons là une très belle rencontre. Alors, quand il me lance : « Tiens, écoute cette playlist, je suis certain de te faire changer d’avis », je le prends au mot. Mais le défi ne se jouera pas sur une playlist : il se jouera ici, en direct, pendant 58 minutes.

À vous qui nous écoutez, je vous prends à témoin. Nous allons explorer des morceaux parfois méconnus pour voir si, derrière la star des karaokés du monde entier, il y a quelques choses qui pourrait changer mon regard. Mais après tout, mon avis est un détail et je vous rassure, je ne vais pas passer une heure à répandre mon fiel.

Ce qui compte, c’est que vous, vous l’aimiez... et que vous ayez réussi à dénicher des places pour son concert à moins de 1000 euros.

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Aujourd'hui Belkacem Meziane sort la première biographie française sur Earth Wind & Fire. Earth Wind and Fire c’est plus de 50 ans de carrière, des tubes planétaire, des albums mythiques, des concerts d’une puissance rare. C’est un groupe qui a su nous faire danser et nous emouvoir, tout en portant un message universel de paix et d’amour, de spiritualité et de symbolisme. C’est justement une plongée dans cette œuvre imposante que nous vous proposons dans cet épisode de La Musique se Livre.

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Si l'on y regarde de près, le spectre est vertigineux. Du Blues au Jazz, du Gospel au Hip-Hop, en passant par le Funk, le Reggae, la House, une grande partie du Disco, sans oublier le Rythm & Blues, le rap, le P-Funk, le R&B moderne, et même le Minneapolis Sound ou le New Jack Swing... et j’omets volontairement de dire que le Rock’n’Roll lui doit sa naissance. C’est un arbre généalogique immense dont les branches semblent infinies.

 Dans l’inconscient collectif, cette musique est souvent synonyme de fête, de danse et de "good vibes". On y cherche le groove, la joie, une certaine forme de légèreté. Pourtant, la réalité est tout autre : la plupart de ces courants sont résolument politiques.

Aux États-Unis, notamment, cette musique a été le pouls de l’histoire. Elle a accompagné chaque combat, chaque fracture. Derrière les voix d’anges, les lignes de basses arrondies, les riff de guitares hypnotiques,  et les arrangements léchés, les textes ont documenté, décennie après décennie, la ségrégation, la lutte pour les droits civiques, la précarité ou les ravages de la drogue. C'est une musique qui a crié contre la guerre du Vietnam et dénoncé les violences urbaines bien avant que les journaux ne s'en emparent.

  Mais réduire cette épopée à un combat social serait une faute grave. A toute part d'ombre s’oppose une part de lumière : et ici c’est l'amour. Car personne, sans doute, n’a chanté le sentiment amoureux avec autant de magnificence, de ferveur et de sensualité que dans ces répertoires. C’est une musique qui panse les plaies autant qu'elle dénonce les injustices.

Et cette histoire n'a rien d'un monologue masculin. Elle s'est écrite avec des femmes de tête et de voix, des pionnières qui ont imposé leur génie dans chaque genre mentionné. De la dignité d'une Aretha Franklin à l'audace d'une Nina Simone, jusqu'aux icônes contemporaines, elles ont été les piliers de cette culture, portant souvent sur leurs épaules les messages les plus puissants.

 C’est cette fresque monumentale que Hervé Bourhis et Brüno ont choisi de raconter en images.
Dans leur Petit Livre Black Music publié chez Dargaud, ils retracent pratiquement un siècle d'histoire, année après année.

En nous invitant à écouter ces disques essentiels, ils nous proposent bien plus qu'une simple playlist : c'est un voyage à travers un siècle de création qui a fini par changer notre regard sur le monde.

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Sa réponse avait été immédiate, sans l’ombre d’un doute : « Ben... il y a les petits gars de Gojira. On commence à en parler sérieusement, et ce qu’ils font, c’est du très haut niveau. »

L’info a fini dans un coin de ma tête, bien au chaud. Mais elle a ressurgi de façon fracassante un soir d'été 2024. Ce soir-là, devant la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques, j'ai pu savourer mon petit moment de gloire. Pendant que mes proches restaient saisis devant la Conciergerie prise d’assaut par une intensité sonore et visuelle inédite, j'ai pu glisser, très décontracté : « Ah oui, Gojira. Je connais. Un groupe majeur, évidemment. »

Et pour ce petit plaisir d'initié, je dois dire merci à Jean-Charles. Car c’est là tout son talent : Desgroux est un passeur, s’il m’autorise à l’appeler ainsi. C’est le genre de type capable de transformer un après-midi en EHPAD en une mainstage du Hellfest, simplement en vous racontant la vie des musiciens qu'il aime.

Parce que derrière la carrure et les tatouages, il y a une sensibilité rare Une ferveur d’adolescent qu’il a su garder intacte. Alors, quand son idole Ozzy Osbourne tire sa révérence, Jean-Charles ne fait pas semblant : il est touché, voire dévasté. Et n’allez pas lui demander, comme le feraient n’importe quel ignare qui n’a jamais vibré pour un musicien : « Mais enfin, pourquoi tu es triste ? Tu le connaissais pas vraiment ! » » Ici, on ne pose pas ce genre de questions stupides. On sait que la musique crée des liens plus solides que le sang.

Mon invité du jour est un homme entier, un passionné qui ne triche pas. Et s’il nous dit aujourd'hui qu’il est temps, plus que jamais, de plonger dans l’univers de Gojira, c’est qu’il a forcément raison. Alors si ce n’est pas déjà fait, vous faire découvrir ces enfants terribles, devenus grands, c’est le défi, ou plutôt le pari, que l’on va relever ensemble pendant cette heure.

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Évidemment, je ne pouvais pas nier l’essentiel :
une signature vocale immédiatement reconnaissable, des tubes planétaires, et ce fameux morceau de Noël devenu quasiment un phénomène sociologique, ou une malédiction.
Mais sa discographie, je m’en étais éloigné.
J’avais le sentiment d’une artiste en perte de vitesse, cherchant les producteurs en vogue pour rester dans le jeu, pour ne pas disparaître.

Et puis, j’ai rencontré Valentin Grimaud, mon invité du jour.
Et très vite, je me suis demandé si nous parlions bien de la même Mariah Carey.

Avec une passion sans filtre, Valentin m’a décrit une artiste à l’exact opposé de l’image que j’avais en tête.
Une diva qui maîtrise chaque détail de sa représentation publique.
Une musicienne pour qui rien n’est laissé au hasard.
Une créatrice dont l’implication dépasse très largement ce que son image médiatique laisse croire.

Mariah Carey, ce n’est pas seulement une voix spectaculaire.
C’est une autrice, une productrice, une stratège.
Quelqu’un qui comprend profondément la musique, le business, les tendances.
Une artiste capable de se réinventer, d’expérimenter, quitte à publier certains morceaux sous pseudonyme pour sortir de son propre personnage.

Alors j’ai accepté le défi.
58 minutes pour remettre en question mes certitudes.
58 minutes pour satisfaire les fans, mais aussi pour convaincre celles et ceux qui, comme moi, se sont peut-être trompés.
Parce que Mariah Carey mérite sans doute qu’on prenne le temps…de l’écouter autrement.

⚡ Vous en voulez d'avantage ?

Nous vous donnons rendez vous le mercredi 14 janvier 2026 pour une rencontre avec Valentin Grimaud, et l'écoute de sa playlist dans des conditions Hors du commun 🎵 🎵

A partir de 20 H, nous vous attendons chez LISTENER , la salle d'écoute audiophile la plus folle de Paris. Après un échange avec l'auteur, vous plongerez dans cette salle pour découvrir ou redécouvrir Mariah Carey comme jamais.

Plus d'infos ici : https://listener.fr/produit/lamusiqueselivre-mariahcarey/

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Et puis… il y a les groupes qui ont réussi les deux.
Les groupes dont les albums comptent, et dont les concerts comptent encore plus. The Cure fait partie de cette catégorie rarissime.

Parce qu’on peut appeler ça new wave, post-punk, gothique, cold wave… ou simplement The Cure, le groupe de Robert Smith a façonné un son, une atmosphère, un langage musical immédiatement identifiable. Des disques qui ont imprimé plusieurs générations, du minimalisme hanté de Seventeen Seconds aux cathédrales d’émotion de Disintegration en passant par le retour gagnant de Songs of a lost world.

Mais The Cure, c’est aussi un choc scénique. Des concerts immenses, généreux, éprouvants parfois avec des prestations qui dépassent les trois heures  — où la setlist devient un territoire en mouvement, où les morceaux s’étirent, respirent, se métamorphosent. Des shows documentés par des albums live devenus cultes, et par des vidéos qui ont accompagné toute une vie de fans, de In Orange à Trilogy. The Cure est un groupe que l’on écoute… mais que l’on vit aussi.

Et au fil des décennies, sans jamais vraiment chercher à suivre les modes, The Cure a traversé les époques. C’est ce que mon invité du jour, Jeremy Wulc, raconte dans son ouvrage The Cure On Tour publié chez glénat
Mais The Cure est aussi un groupe totalement iconique, au point d’être entré dans la bande dessinée. Un groupe raconté, dessiné, transmis — comme dans le très beau The Cure en BD, publié chez l’éditeur Petit à Petit, qui revisite leur histoire à travers le regard d’illustrateurs et d’auteurs contemporains.

Scénarisé et documentés la encore par notre invité du jour.

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Livres, documentaires, débats, podcasts, magazines : Michael continue d’alimenter les passions, les polémiques et les fascinations.
Alors, la question demeure : de quoi peut-on encore parler pendant une heure ?

Il fallait un angle, une perspective, un choix assumé.
Le nôtre dans ce podcast, ce sera de laisser les affaires et les procès à la porte. Non pas parce que nous dissocions l’homme de l’artiste, mais parce que nous faisons partie de ceux qui pensent que Michael Jackson a été maintes fois manipulé. Et puisque la justice ne l’a jamais reconnu coupable, ce n’est certainement pas à nous de le faire.

Nous allons donc parler de musique. De musique, et encore de musique.
Mais reste-t-il quelque chose à dire sur le King of Pop ?
Michael Jackson a trop souvent été caricaturé : présenté comme la marionnette de ses producteurs, déconnecté de la composition, comme si celui qui avait passé sa vie sur scène n’avait été qu’un interprète de génie, mais pas un artisan de son propre son. Voila un sujet. Oui Michael a eu des producteurs, Quincy Jones en tête au moment où il touche les étoiles avec Thriller.

Et pourtant… quelle était réellement son implication dans ses albums ?
Comment choisissait il ses producteurs ?
Comment ces collaborations ont-elles évolué entre l’enfant prodige, l’adolescent prometteur, la superstar planétaire et la légende ?

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La deuxième partie des années 80 va voir arriver le New Jack Swing, genre popularisé par le producteur Teddy Riley, qui donnera naissance ensuite au R&B contemporain. C’est l’époque où les producteurs se font un nom, et soutiennent ou proposent de nouveaux artistes.
C’est dans ce contexte qu’émerge Destiny’s Child, formation R&B parmi d’autres à l’époque, mais qui va rapidement se distinguer. Le groupe impose une esthétique : celle d’une jeunesse noire américaine sûre de son identité, à la fois enracinée dans la tradition soul et attentive aux tendances hip hop. Au sein de groupe une personnalité, une voix mais aussi, ne le nions pas , un physique va se distinguer : Beyoncé.

L’histoire aurait pu s’arrêter là, comme ce sera le cas pour la quasi-totalité de ses camarades de chants. Mais au début des années 2000, Beyoncé entame une carrière solo qui va l’amener à naviguer entre plusieurs mondes : celui de la pop, celui du R&B le plus exigeant, et celui d’un héritage musical qu’elle revendique avec constance, de la soul des années 1970  au funk de Minneapolis, en passant par les grandes figures de la scène gospel et même Country. Cette trajectoire n’est pas simplement celle d’une réussite individuelle, mais aussi le reflet de profondes mutations culturelles : l’affirmation d’une génération d’artistes noirs américains qui veulent reprendre le contrôle de leur image, et le rôle grandissant des femmes dans une industrie encore dominée par des logiques patriarcales.

Beyoncé est aussi une artiste qui interroge le rapport entre musique et image. Ses albums ne se contentent pas de proposer des chansons : ils s’accompagnent souvent de projets visuels ambitieux, où la scénographie, et la performance participent à la compréhension de l’œuvre. En cela, elle prolonge une réflexion déjà initiée par des artistes comme Prince ou Michael Jackson : comment raconter une histoire qui dépasse le simple format du disque ou du concert ?

Enfin, il y a la dimension politique. Sans jamais se couper du grand public, Beyoncé a introduit dans son œuvre des thématiques liées à l’histoire afro-américaine, à la mémoire de l’esclavage, aux luttes pour les droits civiques, mais aussi aux réalités contemporaines, qu’il s’agisse du féminisme ou des tensions raciales aux États-Unis. Cette articulation entre une carrière de superstar mondiale et une inscription dans une histoire collective mérite d’être examinée de près.

C’est ce que nous allons faire aujourd’hui, en nous appuyant sur un ouvrage qui propose une lecture approfondie de son œuvre, chanson après chanson comme sait si bien le faire Benoit Clerc. Parce que parler de Beyoncé, ce n’est pas seulement parler d’une chanteuse à succès : c’est analyser un phénomène culturel, un miroir de notre époque, et peut-être aussi une des clés pour comprendre comment la musique populaire continue de se réinventer.

⚡ Vous en voulez d'avantage ?

Nous vous donnons rendez vous le jeudi 16 octobre à Paris pour une rencontre avec Benoit Clerc, et l'écoute de sa playlist dans des conditions Hors du commun 🎵 🎵

A partir de 20 H, nous vous attendons chez LISTENER , la salle d'écoute audiophile la plus folle de Paris. Après un échange avec l'auteur, vous plongerez dans cette salle pour découvrir ou redécouvrir Beyonce comme jamais.

Plus d'infos ici : https://listener.fr/produit/beyonce-la-totale/

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Dès les années 80, avec l’album Control, elle opère une rupture nette : rupture avec l’autorité paternelle, rupture avec l’industrie qui voudrait la réduire à un rôle secondaire, rupture avec l’idée qu’une femme dans la pop doit forcément suivre la route tracée par les autres.

Avec les producteurs Jimmy Jam & Terry Lewis, elle forge son son : dur, funky, électronique, futuriste. Janet Jackson sera une artiste de son temps, qui pense et contrôle tout — de la production à la scène. Des shows réglés comme une mécanique de précision. Chorégraphies, effets spéciaux, mais toujours une énergie organique, avec de vrais musiciens, et une intensité physique.

Elle redéfinit le spectacle pop.

Mais affirmer sa liberté a un prix. En 2004, à la mi-temps du Super Bowl, un geste de quelques secondes — son sein dévoilé — cristallise toute l’hypocrisie américaine. Là où certains voient une provocation calculée, il faudrait plutôt lire un accident transformé en prétexte : l’Amérique puritaine s’acharne, les médias se déchaînent, et c’est sa carrière, plus que celle de Justin Timberlake, qui s’en trouve brisée. Janet paie l’addition, et même très cher. Car ce n’était pas qu’un sein : c’était le corps d’une femme, libre, insoumise. Et ça, l’industrie ne le pardonne pas.

Janet Jackson, c’est l’histoire d’une artiste qui n’a cessé de se battre pour exister par elle-même, d’imposer une voix, un corps, une vision. Une artiste majeure, une influence incontournable, qui incarne à la fois le triomphe et la fragilité de la liberté dans la pop music. Une femme qui a prouvé qu’elle existait par elle-même, envers et contre tout.

Et c’est son histoire. Sa musique. Son ou ses messages que nous explorons avec Valentin Grimaud à travers son ouvrage « Janet Jackson la dernière des Jackson ».

⚡ Vous en voulez d'avantage ?

Nous vous donnons rendez vous le jeudi 18 septembre à Paris pour une rencontre avec Valentin Grimaud, et l'écoute de sa playlist dans des conditions Hors du commun 🎵 🎵

A partir de 20 H, nous vous attendons chez LISTENER , la salle d'écoute audiophile la plus folle de Paris. Après un échange avec l'auteur, vous plongerez dans cette salle pour découvrir ou redécouvrir Janet Jackson comme jamais.

Plus d'infos ici : https://listener.fr/produit/la-musique-se-livre-janet-jackson/

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Cette question peut sembler abstraite, mais elle se pose avec force dès qu’on plonge dans l’histoire des musiques dites « alternatives ». Car ces musiques là, nées souvent dans les marges, portées par des artistes en rupture ou en recherches d’autres voies, finissent elles aussi par être regroupées, nommées, catégorisées. Pourquoi ? Est-ce la peur du désordre ? Ou le besoin, pour l’auditeur comme pour l’industrie, de repères familiers ?

Prenez la New Wave, par exemple. Un terme vaste, mouvant, qui a servi à désigner une constellation d’artistes apparus à la fin des années 70 et au début des années 80, dans le sillage du punk, mais en quête de sons nouveaux, plus synthétiques, plus glacés, parfois plus introspectifs. Derrière cette bannière se côtoient des groupes aussi différents que Depeche Mode, The Cure, Joy Division, Siouxsie and the Banshees, ou encore Simple Minds. Très vite, d’autres étiquettes sont venues affiner – ou brouiller – le tableau : coldwave, gothic, darkwave… autant de sous-genres qui tracent des lignes plus sombres, plus minimalistes, plus intenses.

C’est ce territoire musical, mystérieux et fascinant, que notre invité du jour a choisi d’explorer. Sylvain Fanet, vient de publier un livre passionnant intitulé Dark Lands – La face sombre de la new wave, aux éditions  GM. Un livre où il interroge non seulement les groupes et les sons, mais aussi les ambiances, les filiations, les zones d’ombre d’une musique à la fois héritière du romantisme noir et annonciatrice de bien des expérimentations à venir.

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Révélé en 1993 à grand renfort de clip sur MTV, à une époque qui encense les hybridations entre rap et influences diverses, il aurait pu s’installer dans ce succès précoce. Mais dès l'année suivante, il brouille les pistes, refusant de céder à la tentation de la répétition. Chaque album devient alors une échappée, parfois expérimentale, parfois plus acoustique, mais toujours imprévisible.

Beck n’a jamais cherché à occuper l’espace. Ses tubes existent, mais ne résument rien. Son œuvre, forte de quatorze albums en un peu plus de vingt-cinq ans, se construit dans la durée, par strates successives, entre disques phares et projets plus discrets.

Si il est difficile de séparer les Beatles de Liverpool, U2 de Dublin et Prince de Minneapolis –, Beck, lui, reste indissociable de Los Angeles. Une ville dont il capte les éclats et les failles, jusque dans les morceaux les plus intimes.

C’est cette relation, subtile et souterraine, entre Beck, sa ville , la spiritualité, et son œuvre, que Pauline Guedj explore dans Beck, des palmiers dans l’espace, publié chez Playlist Society, et dont nous parlons dans cet épisode.

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Au cœur de cette alchimie, la personnalité fascinante de David Byrne, frontman atypique aux danses saccadées et aux costumes démesurés, mais aussi les tensions créatives avec la section rythmique formée par Tina Weymouth et Chris Frantz. Cette dynamique complexe a façonné un son unique, immortalisé dans l'électrisant 'Stop Making Sense' - sans doute le plus grand film de concert jamais réalisé.

Pour explorer cet univers singulier, nous recevons aujourd'hui John Raby, auteur d'une nouvelle analyse approfondie du parcours des Talking Heads. De leurs débuts minimalistes au CBGB jusqu'à leurs explorations rythmiques avec Brian Eno, nous verrons comment ce groupe new-yorkais a réinventé la notion même de ce que pouvait être un groupe de rock en a peine une décennie et 8 albums studios.

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Mais bien avant ces stars contemporaines, une femme a incarné le sommet de ce règne musical : Aretha Franklin, la seule et l’unique « Queen of Soul ». C’est elle qui a pavé la voie pour toutes ces grandes voix féminines qui l’ont suivie. Aretha Franklin n’était pas seulement une chanteuse, elle était une force culturelle. Elle a imposé un style vocal qui fusionnait gospel, soul, et pop, avec une puissance et une émotion inégalée.

Née en 1942 à Memphis, Tennessee, Aretha a grandi à Detroit, dans une famille profondément ancrée dans la spiritualité, et le monde du gospel. Son père, le révérend C.L. Franklin, était une figure influente et c’est dans son église qu’elle a fait ses premières armes.
La suite.. on vous la raconte dans cet épisode, avec Frédéric Adrian car l’impact d’Aretha Franklin est immense, non seulement dans l’histoire de la musique, mais aussi dans celle de la société américaine.

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Et si ABBA, n’était pas qu'une série de hits diffusés en boucle ?  
Avec Benoit Clerc, qui vient d’analyser l’intégralité des chansons du groupe, titre après titre, nous avons choisi de prendre un autre chemin. L'idée de cette émission, est justement d'aller au-delà de ces morceaux que tout le monde connaît. Vous ne trouverez pas les tubes historiques que vous avez sûrement déjà entendus des dizaines, voire des centaines de fois. Non, l’objectif est de plonger dans les recoins plus confidentiels de leur discographie, là où, qui sait, quelques pépites cachées pourraient se révéler. Peut-être que derrière l'image policée des superstars se cachent des morceaux plus audacieux, moins évidents, qui méritent qu’on leur accorde un peu d’attention.

A bas… les hits, voila comment nous aurions pu appeler ce numéro de la musique se livre, pour tenter de découvrir ensemble ABBA autrement

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Pas d’un génie parmi d’autres!  Avec ce sous titre « la tête du génie » la cause est entendue. Prince est définitivement un extra-terrestre dans ce monde de la pop culture qui a pourtant vu jaillir bon nombre d’artistes et de musiciens incroyables. Alors pourquoi Prince est-il un génie si compliqué à définir et a appréhender ? C’est ce que Ersin Leibowitch tente de décrypter dans son ouvrage. Car s’attaquer à Prince, c’est s’attaquer à un artiste qui aura consacré sa vie à la musique, et de la musique il va en créer plus que de raison. Encore aujourd’hui, rien que la discographie officielle fait débat, et il n’est pas rare qu’un ou deux disques soient oubliés. Quelques chiffres, déjà énumérés dans les émissions précédentes : Prince, c’est trente-neuf albums studio sortis sous son nom (et je ne compte pas les compilations ou les projets post mortem), trois albums sortis sous le nom de son groupe The New Power Generation, quatre albums live, près de 90 artistes ou groupes produits, ou pour lesquels il a composé des morceaux. Soit plus de 1 000 chansons. C’est aussi quatre longs métrages sortis au cinéma. Sur scène, c’est 1 200 concerts , et 600 aftershows recensés, ou performances plus ou moins improvisées dans des clubs, trente-six tournées, dont huit mondiales. C’est aussi plus de 300 morceaux inédits qui circulent chez les fans, et plusieurs milliers enfermés dans son coffre.

Mais ce ne sont pas les chiffres qui font le génie. Ce qu’il y a de génial avec Prince, c’est qu’il ne fait rien comme tout le monde. La manière de gérer ses shows est totalement unique, sa maîtrise de pratiquement tous les instruments de musique est époustouflante, sa capacité d’embrasser et de s’approprier tous les genres musicaux est impressionnante, son rythme de production est vertigineux, et je ne parle pas de sa présence sur scène parce que cela nous prendrait des jours.
A celles et ceux qui ont remarqué que cette modeste introduction est écrite au présent, c’est parce que les génies ne meurent jamais. 

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Les groupes des années 80 capables de remplir autant de salles en si peu de temps se comptent sur les doigts d'une main. À la sortie de leur premier album, "Speak & Spell" en 1981, rares étaient ceux qui auraient parié sur une telle longévité. Contre toute attente, Depeche Mode a su se réinventer mille fois, traverser les époques et les genres, survivre aux départs de membres clés et aux overdoses de son principal chanteur. Ils ont laissé derrière eux une discographie de plus en plus solide, avec des albums désormais considérés comme des classiques incontournables.

Ce groupe de gamins avec leurs synthés et leur look de premiers de la classe a traversé quatre décennies, faisant taire tous leurs détracteurs et accumulant des dizaines de hits planétaires chantés comme des hymnes à chacun de leurs concerts. Depeche Mode, c'est une histoire de résilience, d'innovation et de succès, un véritable phénomène musical intemporel que Sylvain Fanet raconte dans son ouvrage publié en novembre dernier aux Editions le mot et le reste

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Julien Deléglise raconte l'histoire de ce groupe et de ses membres en solo dans son livre publié aux éditions du layeur : TELEPHONE

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A-t-elle totalement conscience que ce qu’elle vient de faire est un acte militant d’une grande modernité. Le féminisme peut donc s’exprimer de cette manière. Le pouvoir à travers une sexualisation assumée de sa performance. Madonna, va marquer les années MTV, les années clips, et bons nombres d’artistes seront estampillées « nouvelle Madonna » jusqu’à aujourd’hui. 

Mais la pop musique regorge de femmes qui part leur position, texte, attitude, discours, choix artistique ou mode de vie ont toutes contribuées à un féminisme plus ou moins compris par le public, mais totalement nécessaire. 

Morgane Giuliani analyse la place des féminismes, et la manière dont ils s’expriment dans la musique pop, dans son ouvrage « Féminismes et musiques. La pop de Madonna a nos jours » 

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 Le 10 décembre 1964, Sam Cooke est abattu de 3 balles. C’est un véritable symbole qui est assassiné. Le dernier morceau qu'il a enregistré, "A Change Is Gonna Come",  va instantanément devenir l'hymne du changement que réclame le mouvement pour les droits civiques. Les mots de Sam Cooke résonnent encore aujourd'hui. Dans la bouche de Barack Obama lors de son élection en 2008, ou dans celle de l'artiste Angélique Kidjo, lors de la "Women's March" à Washington DC après la victoire de Donald Trump.

Le lien entre la musique populaire et les grands moments de l'histoire de notre monde n'est plus à prouver. Frédéric Granier a choisi de mettre la lumière sur 12 chansons, entre 1967 et 2002, qui toutes racontent notre époque, comme des marqueurs puissant qui résistent au temps.

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2023, Metallica remplit deux stades de France en un claquement de doigt, ont une douzaine d’albums studios a leur actif et sont indéniablement des incontournables de la pop culture. Leurs titres sont devenus des classiques joués par des orchestre symphoniques, repris par des centaines d’artistes, et servent même d’illustration musicale dans de nombreux films , publicités et séries. 

Les metalleux ont pris leur revanche, les groupes de hard rock et de metal sont les derniers a remplir des stades de manières aussi significatives, la longévité d’acdc, iron maiden, guns n roses, megadeath, scorpions, et autres groupes aux écussons fièrement arborés jadis dans la cours du lycée , permet a ces groupes de réunir plusieurs générations, et le Hellfest, le festival le plus connu de France, est devenu the place to be....

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 Dans cet épisode nous parlons de George Clinton, et de ses légendaires groupes, Parliament et Funkadelic. 

Le P-Funk, est bien plus qu'un genre musical. C'est un état d'esprit, un univers créatif globale où la liberté artistique règne en maître. Quand on aborde les groupes de Clinton, il est commun de dire que Funkadelic, fusionne le rock psychedelic, le funk et la soul, tandis que Parliament apporte une touche funky et cosmique à l’ensemble. 

George Clinton n'est pas seulement un pionnier musical. Il est un architecte sonore qui a influencé des générations d'artistes. Il sera piller par le rap, cités par le rock fusion, et remis en scelle par Prince dans les 90s. 

Liberez votre esprit, le reste devrait suivre, pour cette plongée , dans l'univers sonore de George Clinton, afin d’explorer les spécificités du P-Funk et découvrir comment son influence continue de résonner dans la musique contemporaine. Préparez vous à un voyage musical captivant à travers le uncut funk cosmique et le groove inimitable de George Clinton Parliament Funkadelic and the p-funk all stars

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Alors que les Beatles connaissent un succès phénoménal, ils vont déclencher une polémique retentissante en 1966. A cause d’une pochette d’album jugée provocante ? De paroles de chansons que les radios seraient gênées de diffuser ? D’actes répréhensibles qu’ils auraient eu sur scène ? Rien de tout cela. La raison , une simple phrase que John Lennon va lâcher a une journaliste : « aujourd’hui nous sommes plus populaire que Jesus ». L’impact va être retentissant. Disques brulés aux etats unis, interdiction de diffusion sur les ondes au Mexique et en afrique du sud. La phrase va devenir tellement célèbre qu’elle dispose même d’une fiche wikipedia.

Si certains en doutaient encore, quand les artistes de musiques populaire, et de surcroit de Rock, s’expriment , ils sont entendus, et leurs mots ont un impact puissant souvent supérieurs aux discours des hommes politiques. Avec l’explosion des radio libres, des chaines musicales, et des ventes de disques, les icones de la pop culture vont être interrogées sur tous les sujets de sociétés : politique, sexe, écologie, religion, conflits internationaux, avènement d’internet… ils doivent avoir un avis sur tout. Si il arrive que les réponses aux journalistes soient souvent tièdes pour éviter de froisser le public, de nombreux chanteurs et musiciens de rock n’hésitent pas à clamer haut et fort ce qu’ils pensent. Et tant pis si ça dérange ! 

Ces petites phrases, sorties de route, provocation, aphorisme, ou réelles pensées philosophiques, Dominique Grandfils les adore. En 1997 il sort 100 % rock, son premier recueil de citations. 26 ans après les temps ont changé, ce qui l’amène a publier aujourd’hui « Gravé dans le rock – l’ultime synthèse de la pensée Rock », comme un état des lieux de ce que les artistes qui nous passionnent ont a dire de leur époque.
 

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Lorsque Depeche Mode explose commercialement dans la première partie des années 80, la critique n’est pas toujours tendre, et nombreux sont ceux qui ne donnent pas cher de leur peau.

Sauf qu’en prenant de la maturité Depeche Mode a su construire une discographie solide, avec des albums aujourd’hui considérés comme des incontournables de la musique populaire. En parallèle, le groupe a progressé scéniquement, jusqu’à devenir une des références des grands messes de stade, ou des dizaines de milliers de fans sont en communions avec Dave Gahan 

Dave Gahan, justement, pour qui les années ont été bénéfiques. Là encore le temps à joué en sa faveur. Il a pris en densité, en présence, en charisme, et a réussi à imposer sa voix, reconnaissable entre mille. 

De son côté, Martin Gore, s’est imposé, Album après album, tube après tube, comme un songwritter profond, aux mélodies impeccables et soignées, reprises par des centaines d’artistes aussi divers que Tori Amos, The Cure, Marilyn Manson, Placebo, Johnny Cash, Nina Hagen, Garbage, Def Lepard, Shaka Ponk, Ramstein et même Carla bruni

Finalement dès 1986 Martin Gore nous avait prévenu dans l’album Black Celebration, tout est une question de temps. Et si la sortie du dernier album Memento Mori , est un évènement mondiale, suivi d’une tournée des stades qui passera par Paris en Juin prochain, c’est parce que L’ascension de Depeche Mode A juste été «a Question of time»

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Pour aborder la discographie de Prince , Benoit Clerc, n’a pas expliqué 300, ni 400, ou même 500 chansons, non. La total Prince passe en revu 684 titres. 

On ne pouvait résumer une telle carrière, avec une playlist d’une dizaine de morceaux, voilà pourquoi nous avons exceptionnellement le double du temps pour parler d’un auteur, compositeur, arrangeur, producteur, chanteur, guitariste, pianiste, batteur, bassiste, qui aura consacré sa vie à la musique. Prince c’est 40 ans de carrière ,  40 albums , des centaines de morceaux offerts à d’autres et des milliers encore inconnus a ce jour. 

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A travers ses ouvrages Jean Charles Desgroux a démontré qu’il aimait la musique puissante, qui se joue fort, et il en parle avec un talent non négligeable.. Ame sensible vous êtes maintenant prévenues, et pour les autres c’est le moment de mettre le volume à fond, car cette édition spéciale de la musique se livre va se dérouler dans une atmosphère de puissance brute 

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"Le Rap les coups" est un livre atypique, tant sur le fond que la forme. Ce n’est pas une histoire du rap, ce n’est pas une liste d’albums a écouter, ce n’est pas un essai.. C'est l'éloge de cette musique, parfois critique, a travers la propre histoire de Thomas Morfin. Finalement c’est l’histoire de sa passion pour … "les coups".   Les coups, dont parle l’auteur ne sont pas physique, pas plus qu’ils n’ont a voir avec les coups de feu malheureusement trop fréquents entre les différents clans, quoi que… Tout part d’une traduction du Robert et Collins de 1992, pour qui le verbe « to rap » signifie « donner des petits coups secs et durs ». Si le rap est indéniablement lié à la vie de Thomas Morfin, cette définition va impacter l’écriture du livre qu’il nous présente dans cet épisode de 'La musique se livre"

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Ces spécialistes du funk, de la soul, du R&B et du rap, évoque différents moments ou les radios (et leurs DJ/Animateurs) ont contribué à l’évolution et au succès des musiques dites “noires” aux Etats Unis, du milieu des années 40 à nos jours.

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L'histoire d'un groupe mythique tant par son aura et sa musique que par son engagement pour toutes les causes humanitaires. Un groupe qui est aussi une des plus grandes rock star des années 90 avec des tubes planétaires.

Le 5 avril 1980 à Athens en Georgie, un groupe donne son premier concert dans une église désaffectée alors qu'il n'a même pas encore de nom. L'alchimie est déjà là et le succès aussi. Acclamés par tout l'auditoire présent, Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills et Michael Stipe se disent que cela vaut peut-être le coup de continuer ensemble au delà de cette soirée. Rapidement un nom est trouvé, REM pour Rapid Eye Movement, en français "mouvement oculaire rapide", un phénomène qui se produit pendant la phase de sommeil paradoxal et qui permet à nos rêves d'entrer dans leur phase la plus intense.
Rien ne prédestinait R.E.M à devenir l'un des groupes américains les plus influents, prolifiques et intègres de la fin du XXème siècle. De leurs modestes débuts post-punk à leur statut de phénomène musical mondial dans les années 90, les membres de REM ont constamment dépassé les attentes du public et défié les règles du show business.
31 ans après, le groupe se dissout, laissant derrière lui une discographie riche de 15 albums studio, des tubes planétaires comme la pop song parfaite "Losing My Religion" et la ballade crépusculaire "Everybody Hurts".
L'ouvrage est parsemé de multiples entretiens que l'auteur a eu avec les 4 membres du groupe

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De sa jeunesse américaine dans le Sud ségrégationniste à ses dernières années passées en France, la vie de Nina Simone se lit comme un roman. Enfant prodige blessée par le racisme, elle fait ses débuts dans les clubs d’Atlantic City avant de triompher sur les scènes du monde entier. Très tôt engagée dans la lutte pour les droits civiques, elle mêle avec succès art et militantisme, mais des problèmes personnels graves viennent entraver sa carrière. Après des années de galère, notamment parisiennes, elle renoue avec le succès grâce au triomphe inattendu de la réédition de 1987 de « My Baby Just Cares For Me ». Cette biographie met en lumière le parcours d’une artiste, tardivement reconnue comme la créatrice majeure qu’elle a été, ainsi que son influence, qui dépasse largement le cadre de la musique.

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Depuis la disparition de Prince le 21 avril 2016, l'artiste fait l’objet d’une exploitation assez importante et pas simplement pour des raisons commerciales. C'est souvent le cas avec des stars de la musique populaire qui deviennent des icones quand les autres arts s’accaparent leur image, leur message, leur vision, et leur aura. 

Aujourd’hui c’est le monde de la bande dessinée, qui lui rend hommage, puisque fin 2021 est sorti chez Petit à Petit l’ouvrage Prince en BD 

Nicolas Finet est auteur et éditeur de bande dessinée, occasionnellement conférencier et traducteur. On lui doit une vingtaine d’albums, encyclopédies guides et ouvrages de référence, sur la BD,  la musique et les cultures asiatiques. Il est le documentaliste de Prince en BD

Tony Lourenço est  auteur de BD depuis 2010. Auteur de théâtre et comédien. Pianiste et peintre. Et scénariste de Prince en BD

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David Bowie, est probablement une des figures les plus iconiques de la culture populaire. A travers plusieurs décennies, Bowie aura illuminé de son aura tous les arts : la musique, bien entendu, mais aussi le théâtre, le cinéma, la mode, la photographique. Il aura côtoyé les plus grands couturiers, auteurs, musiciens, réalisateurs, photographe, peintre, en exerçant à chaque fois une fascination sans pareil. S’essayant à pratiquement tous les genres musicaux, il laisse derrière lui une riche et impressionnante discographie, truffée de classiques, à laquelle s’est confronté avec pugnacité et courage mon invité Benoit Clerc. En analysant l’intégralité des 456 chansons de David Bowie, il nous retrace les 50 ans de carrière de la star la plus emblématique de ce que la musique populaire est capable de produire de meilleur.  

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Physique de nounours, tempo plus lent, flow débonnaire, la sortie le 1er avril 1989 de "Me Myself and I" de De La Soul n’a rien d’une blague. 

Ceux qui avaient ratés la sortie un mois auparavant de leur album 3 feet high and rising , vont alors se plonger dans ce disque d’une richesse immense, d’une inventivité impressionnante, qui va démontrer que le Rap peut avoir mille facettes, et qu’il va falloir compter avec des artistes excessivement variés. Dans le même temps, De la soul va donner ses lettres de noblesses a l’art du sampling, sans savoir que cela se retournera, contre eux quelques années plus tard, au point de faire disparaitre leur musique.
Dans son livre De la Soul aussi mort que vivant, paru au Castor Astral, Vincent Brunner nous plonge dans l’histoire passée, présente, et future de cet album de légende.   
 

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Au programme les plus gros vendeurs de disques de ces dernières années avec Beyoncé, R.Kelly, Rihanna, Bobby Brown, Teddy Riley, The Weeknd, TLC, D'angelo, et bien d'autres...

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Quelques années plus tard, les choses vont s’accélérer. Fishbone ou Living Colour, groupe composé de musiciens afro américain vont délivrer un rock brut et musclé, sans renier leur culture du groove ou du reggae, et les blancs becs de Red Hot Chili Peppers vont tout chambouler avec leur basse groovy et leurs guest estampillés funk ou P-Funk. 

Les ventes sont imposantes. Les majors sont dépassées. Si il y a un public il faut marketer cela. Une nouvelle étiquette apparait : le rock fusion aussi appelé dans les cours de lycée et les fac « la fusion ». 

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Avec plus de 100 millions d’albums vendus dans le monde, il est entré dans le cercle des plus grands chanteurs de tous les temps. Nul ne mérite mieux que lui le surnom de « boss » du rock.

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Avec Thierry Jourdain qui signe une biographie validée par l’artiste, nous allons dans cet épisode regarder derrière les apparences, et ne pas se fier à la première impression pour comprendre toute la tendresse, la finesse, l’intelligence, la poésie, et le sens aigüe de l’observation que l’on retrouve dans la plupart des chansons de Katerine.

 

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Dans le même temps L’Amérique est devenue le plus grand diffuseur de pop culture sur la planète. Musique, film, littérature, cinéma, les USA vont divertir le monde et l’abreuver d’images et de sons, de contenu comme on dit dans cette époque digitale. Sophie Rosemont passe en revue tout cela dans son ouvrage : Black Power : L’avènement de la pop culture noire américaine. 

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Après avoir analysé l’intégralité des chansons des Beatles, de Pink Floyd, Led Zeppelin, les Rolling Stones , et Bob Dylan, c’est au tour du génial Jimi Hendrix d’avoir ses albums disséqués par ce duo d’auteurs. Quels furent les grandes inspirations de ses titres les plus mythiques ? C’est ce que nous abordons dans cet épisode.

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Pour nous parler des Beatles, Jean Michel Guesdon est venu seul. Nous passons en revue plusieurs classiques du « plus grand groupe du monde » pour en connaitre les secrets de fabrication.

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Dans cet épisode nous recevons Nathalie Pillet qui vient de publier « Etienne Daho, paroles de fans« , chez Camion Blanc.
Pendant plus d’un an et demi, elle est partie à la rencontre des fans de l’artiste. Glanant des centaines de témoignages, remarquablement retranscrits dans des chapitres qui parlent des premières années du chanteur, de ses talents d’auteur, de l’homme de scène, mais aussi de ses influences artistiques. Devant un tel travail il était impossible et impensable de ne pas impliquer Etienne Daho qui c’est lui aussi prêté au jeu des questions de Nathalie Pillet.

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Avec Brice Miclet nous retraçons l’histoire de cette « technique musicale » à travers de nombreux exemples.

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Avec Jean-Marie Potiez, nous allons évoquer cette Diva extravagante, autour de morceaux moins connus, et de nombreuses anecdotes.

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Autour de grandes thématiques comme les premiers émois, les concerts, la collection, la douce folie de « suivre un groupe », Claire fait parler les fans et nous rapporte leurs plus belles anecdotes.

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Avec Frédéric Adrian, auteur de « Stevie Wonder – la biographie française », nous évoquons l’un des plus brillants auteurs/compositeurs de « l’écurie » Motown. Dès ses débuts alors qu’il n’est qu’un enfant, à l’âge d’Or où Stevie Wonder enchaîne les chefs d’œuvres, jusqu’à l’héritage qu’il représente pour les jeunes générations d’artistes, nous tentons le pari un peu dingue d’aborder tout cela en 42 minutes, et en musique.

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